LOS LUNES AL SOL

“Érase una vez, un país en el que vivían una Cigarra y una Hormiga. La hormiga era hacendosa y trabajadora, y la cigarra, no, le gustaba cantar y dormir, mientras la hormiga hacía sus labores. Pasó el tiempo, y la hormiga trabajó y trabajó todo el verano, ahorró cuanto pudo, y en invierno, la cigarra se moría de frío, mientras la hormiga, tenia de todo. La Cigarra llamó a la puerta de la Hormiga, que le dijo: Cigarrita,cigarrita, si hubieras trabajado como yo, ahora no pasarías hambre ni frío.Y no le abrió la puerta. ¿Quien ha escrito esto? Esto no es así, la hormiga ésta es una hija de la gran puta y una especuladora. Y además, aquí no dice porque unos nacen cigarras y otros hormigas, y tampoco, que si naces cigarra estás jodido.”

Ésta es una gran frase con la que nos sorprende esta película de Fernando León de Araona,  protagonizada por Luis Tosar, Javier Bardem y José Ángel Egido, y coprotagonizada por Joaquín Climent y Nieve de Medina.

En ciudad costera de Vigo, a la que el desarrollo industrial ha hecho crecer desaforadamente, un grupo de hombres recorren cada día sus empinadas calles, buscando salidas de emergencia. Son funambulistas de fin de mes, sin red y sin público, sin aplausos al final; viven en la cuerda floja del trabajo precario y sobreviven gracias a sus pequeñas alegrías y rutinas.

''Los lunes al Sol'' es una coproducción entre España, Italia, y Francia del año 2002. Este drama social de 113 minutos, contó con 5 Goyas en la gala del 2003:

Mejor película		Ganadora
Mejor director	Fernando León de Aranoa	Ganador
Mejor actor	Javier Bardem	Ganador
Mejor actor de reparto	Luis Tosar	Ganador
Mejor actriz revelación	Nieve de Medina	Candidata
Mejor actor revelación	José Ángel Egido	Ganador
Mejor guion original	Fernando León de Aranoa Ignacio del Moral	Candidatos
Mejor montaje	Nacho Ruiz Capillas	Candidato

Y para terminar, os dejo con este artículo que escribió Fernando León de Aranoa para el Huffingtonpost. Lo que más me ha llamado la atención ha sido este párrafo, al que se refiere cuando le preguntan "¿cómo harías hoy esa película?":

''La respuesta a menudo decepciona a quien la escucha: la haría igual. Porque lo que contamos entonces acerca del desempleo es lo que querríamos contar hoy. Porque aunque las cifras sean otras, la desesperación y el desamparo de quien lo padece no han cambiado. Porque esa nunca fue una película coyuntural, ligada a una cifra, a un Gobierno, a una política concreta de empleo, o de desempleo. No creo que las películas puedan ser coyunturales: lleva mucho tiempo hacerlas, y la realidad no te espera. El cine no sirve para atrapar el presente. Como mecanismo de representación, camina unos metros por detrás de la realidad que persigue. Es un espejo con ligero retardo, que refleja lo que fuimos hace un instante, pero busca en esa imagen lo esencial, la raíz de lo que seremos un día.''

Podéis leer el artículo entero pinchando AQUÍ

MARINA ELIZALDE

Ir por la vida AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS

"UN CLÁSICO, NI MÁS NI MENOS."

"OBRA MAESTRA DE LOS ENREDOS"

Así rezan las críticas de esta entretenida y alocada película. Película de enredos y geniales escenas surrealistas. Película para los que no admiran al típico Almodóvar.

Ho he elegido esta canción, aparte de por la relación con la entrada anterior y la canción ''Yo quiero ser una chica Almodóvar'', porque es uno de los grandes referentes del cine español.

Mujeres al borde de un ataque de nervios es una película dirigida por Pedro Almodóvar en el año 1988. En ese mismo año ganó el Goya a la mejor película (entre otros) y estuvo también nominada a los Óscar. Además fue la segunda película más vista durante ese año en España y se convirtió, por lo tanto, en una de las películas más taquilleras de esos años.

En nuestros cines fue vista nada menos que por 3.3 millones de espectadores. Un mérito añadido si tenemos en cuenta que por entonces la exhibición cinematográfica vivía tiempos de crisis con el alquiler y compra de cintas de video domésticas VHS en todo su apogeo.

Con grandes actores como Carmen Maura, Antonio Banderas, Julieta Serrano o la inconfundible Rossy de Palma, esta película cuenta una historia llena de enredos donde los personajes femeninos llevan las riendas. La fuerza de sus personajes es vital para la movilidad de sus guiones compuestos de diálogos inteligentemente estudiados. Carmen Maura (Pepa) se convierte en el hilo conductor de esta historia que enfrenta a tres mujeres luchando por el amor de un hombre (Iván). A medida que trascurre la historia las cosas se van complicando y el desenlace no logra vislumbrarse en el horizonte cercano pero como siempre sucede Almodóvar encuentra una vuelta para soltar el nudo.

PREMIOS:


1988: 5 premios Goya, entre ellos Mejor Película y Mejor Actriz (Carmen Maura). Tuvo 16 nominaciones a los Goya.
1988: nominación a los Óscar por Mejor Película dd habla no inglesa.
1988: Nominación a los Globos de Oro por Mejor Película de habla no inglesa.
1988: Festival de Venecia. Mejor Guión.
1988: Festival de Toronto. Mejor Película (Premio del Público)
1988: Premios David di Donatello: mejor guión extranjero.
1988: Círculos de críticos de Nueva York: mejor película extranjera.

En resumidas cuentas, para Almodóvar este fue el filme que catapultó su nombre de manera definitiva a nivel internacional al recibir nominaciones como Mejor Película Extranjera en los Globo de Oro, el BAFTA y el Oscar, sumando también más de 20 premios en otros festivales. Con esta película el director Ibérico logra definir el estilo que lo caracterizaría en todos sus trabajos, el ya clásico melodrama con toques de humor negro bañados por una dosis de exageración de sus personajes se pone de manifiesto en su mejor forma. Con “Mujeres al borde de un ataque de nervios” podemos ver a un director puliendo su obra, un director refinando su estilo y encontrando su norte.

Excelente fotografía acompañada de una apropiada selección musical (por ejemplo, Soy infeliz, cantada por Lola Beltrán, mientras desfilan los títulos de crédito) para resaltar una historia y unos personajes dibujados a la perfección. Además cuenta con un montaje de imágenes propias de un catálogo de modas o una fotonovela de colores intensos, con predominio del rojo, y los rótulos de distintos tamaños simulando recortes de una revista. Una obra imprescindible de la filmografía de este director español.

Trailer de la película

MARINA ELIZALDE GUERRERO.

Sabina & Some like it hot.

Con faldas y a lo loco, fue estrenada en 1959, pero está basada en los años 20. La comedia americana fue dirigida por Billy Wilder con ayuda de I.A.L Diamond ya que fue su guionista y el que dio el toque cómico a esta película. Fue elegida como la mejor comedia de la historia por el Instituto de Cine Americano.

Contamos con unos actores bastante conocidos y muy peculiares, ellos son: Tony Curtis (Joe), Jack Lemmon (Jerry), Marilyn Monroe (Sugar Kane Kowalczyk), George Raft (Spats Colombo), Pat O'Brien (Det. Mulligan), Joe E. Brown (Osgood Fielding III), Nehemiah Persoff (Little Bonaparte), Joan Shawlee (Sweet Sue), Billy Gray (Sig Poliakoff), George E. Stone (Toothpick Charlie) y Dave Barry (Beinstock).

Esta comedia, trata sobre dos músicos de nombre Joe y Jerry, los cuales presencian un asesinato cometido por unos mafiosos el día de San Valentín en el Chicago de 1929. Ellos son los testigos de la matanza que se ha cometido entonces, deciden disfrazarse de mujeres e ingresar camuflándose en una banda femenina que viaja con destino a Florida. Joe acaba enamorándose de la cantante Sugar Kane Kowalczyk, aunque ella no tiene ni idea.

Desplazándome al aspecto técnico de la película, la puesta en escena es muy sencilla, transparente y eso hace que no nos distraigamos ni un solo momento de lo que está pasando. El director es muy dinámico ya que hace un buen juego de apariencias de los personajes, contando con unos actores espectaculares en cada secuencia. Me gustaría destacar como el autor en la primera escena nos desvela las características de los protagonistas y del personaje opuesto al protagonista llamado “Botines”. Le llaman así porque su elemento característico son los botines. A este personaje, que es el “malo”, o mejor dicho el “gángster” de la película y de ese momento, le introduce en el círculo del cine negro, ya que destacan los sombreros, las gabardinas, las armas del momento, los primeros planos y las sombras de los botines.

Para mi gusto es una de las mejores comedias que se ha hecho en años, no creo que falte nada. Todo funciona de una manera perfecta y concisa, con un ritmo interno que, según va avanzando la película, te mantiene atento y disfrutando cada minuto de ella. Además cuenta con una banda sonora magnífica que le da mucho sentido a la película.

Aqui os dejo el enlace del minuto final de la película: nadie es perfecto.

IRENE LOPEZ KNELER

Sabina & El Verdugo

Otra película acertada de la que podemos disfrutar durante los 87 minutos de película es El Verdugo, rodada en blanco y negro por Luis García Berlanga en 1963. Sabina una vez más es clásico y acertado en el cine, ya que en nuestras entradas anteriores y también futuras entradas podréis observar que todas sus películas favoritas son clásicas e imprescindibles en el cine.

José Luis Rodríguez es un empleado de una funeraria. Desea emigrar a Alemania para trabajar como mecánico ya que en España no le da mucho resultado. Conoce a Amadeo ( Pepe Isbert ) que es un anciano a punto de jubilarse y verdugo. Amadeo tiene una hija llamada Carmen ( Emma Penella ) con la que nadie quiere salir por la profesión de su padre pero José Luis se enamora de Carmen.

El padre de Carmen, Amadeo, les acaba descubriendo y se casan por fuerza mayor de Amadeo. José Luis y Carmen después de casarse quieren comprar un piso, pero lo tienen bastante complicado porque José Luis no lo tiene permitido ya que el empleo que tiene no le permite acceder a una vivienda y para ello va a tener que aceptar el empleo de ese momento: verdugo. 

José Luis intenta huir de Amadeo y de la que es su esposa, Carmen, para no tener que pasar por el mal trago de tener que matar a nadie pero al final en unas vacaciones con su familia en Mallorca, pierde la dignidad humana que tenía antes con su primera ejecución a un condenado al que al final no llegaron a indultar.

El director de esta maravillosa película fue Luis García Berlanga (1921-2010). Nació en Valencia el 12 de junio de 1921, en el seno de una familia burguesa. Junto a este director, tuvo el placer de trabajar con Rafael Azcona (1926-2008), su mano derecha, que fue el que hizo el guión y el que dio el sentido del humor, lo tragicómico a esta historia. Ambos han conseguido que esta película sea una de las películas más importantes de la historia del cine español.

Esta película esta basada en la España de los años 40 y 50, tratando un tema bastante complicado con un tono cómico en la mayoría de momentos pero a la vez trágico teniendo siempre presente la pena de muerte, ya que entonces existía la ejecución por garrote vil que era la herramienta con la que fueron ejecutados los presos más peligrosos. Es la típica España llena de militares, curas y demás personas de aquella época que iban repeinados con kilos de gomina, su bigote bien cuidado, su boina calada, sus camisas y pantalones de tiro alto.

Este film nos da a entender que los problemas sociales son tratados y narrados de una forma humorística más que dramática. Usa una estructura de narrativa clásica, con un planteamiento ordenado empezando por una introducción siguiendo con un nudo y acabando con un desenlace, todo muy simétrico y sencillo por como está planificado pero a la vez bastante dura por los problemas que se dan por culpa de razones políticas.

Los personajes son arquetipos de la época, siendo todos muy peculiares ya que muestran todas sus miserias. El reparto que escogió fue muy acertado: Nino Manfredi (José Luis), Pepe Isbert (Amadeo), Emma Penella (Carmen), José Luis López Vázquez (Antonio), Ángel Álvarez (Ángel), María Luisa Ponte (Estefanía), Alfredo Landa y Félix Fernández (sacristanes).

Aquí os dejo un trozo de la película para que disfrutéis de ella y os recomiendo que ya que estáis veáis la película entera.

IRENE LÓPEZ KNELER

VIRIDIANA, con ella cada noche es Nochebuena.

VIRIDIANA, título de una de las famosas películas de Luis Buñuel, y de una canción cantada a duo entre el Maestro Sabina y Andrés Calamaro.

Por eso hoy quiero escribir esta entrada, con este título, en honor a la película, y por supuesto, a la canción.

Pero, pongamos un poco de orden y empecemos por el principio.

VIRIDIANA, la película. Dirigida en el año 1961 por Luis Buñuel, está basada en la novela Halma, de Benito Pérez Galdós y recibió el máximo galardón del Festival de Cannes, la Palma de Oro.

Una joven monja llamada Viridiana (Silvia Pinal) abandona el convento para realizar una visita a su tío viudo Don Jaime (Fernando Rey), quien termina siendo atraído por sus encantos femeninos intentando mantener relaciones sexuales con la joven. Al no conseguir su propósito, Don Jaime se suicida, hecho que provoca un sentimiento de culpa en Viridiana, que abandona su ordenación religiosa para dedicar su tiempo a la caridad cristiana en un hogar que tendrá que compartir con su primo Jorge (Francisco Rabal), hijo natural de Don Jaime.

“Viridiana es la película que continúa más estrechamente mi trayectoria de cineasta desde que rodé ''La edad de oro''. De toda mi obra, estas dos películas son las que he dirigido con mayor libertad”. Estas palabras de Luis Buñuel ponen de manifiesto que Viridiana es una obra de y por la libertad. Alrededor de los años 70, estalló en la España franquista, convirtiéndose en un gran escándalo y se prohibieron las películas de este cineasta, ya que ésta en concreto se consideró blasfema y obscena por el Vaticano y la propia administración franquista. Los cuales, fueron incapaces de soportar el mordaz envite contra el catolicismo más encorsetado y la visión satírica y alegórica de parte de la realidad española, en especial la burguesa.

Fue justo entonces, en el auge de la España Franquista, cuando Joaquín creó un Cineclub en su exilio en Londres, y empezó a exhibir las películas de Buñuel.

La historia, con rasgos de humor negro y una imaginación llena de simbolismos, ofrece en su burlesca mezcla de sensaciones una absorbente atmósfera de anormalidad y una estética fascinantemente morbosa.

TRAILER DE LA PELÍCULA

Y ahora, VIRIDIANA, la canción:

En el año 1996, y con nombre de título de película de Buñuel, como no podría ser de otra manera, se publica la canción Viridiana. Ésta es una canción de esas que podrían ser un guión cinematográfico. La acción comienza en Tijuana donde "tres veces por semana se trabajaba en México la nuit". Un lugar donde comienza una peculiar historia de amor con una tal Viridiana de apellido "veinticinco mil".

Perteneciente al álbum ''Yo, mi, me, conmigo'', esta canción está escrita por Joaquín Sabina y la música fue compuesta por Ariel Rot. Y además, la canción contó con la colaboración de Andrés Calamaro en varías de sus estrofas.

En Tijuana, tres noches por semana,

se trabajaba en México la nuit.

"¿Qui'hubo, señor?. Me llamo Viridiana

y me apellido veinticinco mil". 

Yo no buscaba amores mercenarios 

y ella no era la venus de Buñuel, 

pero el tequila de los solitarios 

sabe mejor contigo, mademoiselle. 

Y dos rondas más tarde la besaba 

y tres besos después me convenció, 

y en un meublé por horas que alquilaba 

ahorita les diré lo que pasó.

Tantas cosas me dió que no me daban, 

tantas caricias casi de verdad, 

que a mí se me olvidó que trabajaba 

y ella no se acordó de trabajar. 

Por eso, sin faltar una semana, 

cuando me ven entrar al cabaré 

los mariachis, mirando a Viridiana, 

le cantan "Y volver, volver, volver". 

Y, aunque en mi cumpleaños dé una cena 

y no vengan mis hijos a cenar, 

con ella cada noche es Nochebuena 

y nunca se termina el carnaval. 

Porque no hay bajo la luna mexicana 

mejor menú para un perro andaluz 

ni manos que hagan como Viridiana 

la tarta de manzana de amour fou. 

Con el corrido de la bella Malinche 

y el pinche gachupín 

que viva México la nuit! Que sí 

(Mais oui) Viridiana.

WebRep

currentVote

noRating

noWeight

ENLACE DE LA CANCIÓN

MARINA ELIZALDE GUERRERO

Citizen Kane & Sabina.

La crítica norteamericana y la del resto del mundo, ha considerado a Ciudadano Kane la mejor película de la historia del cine. Muchos desmienten esto y aseguran que no es así ya que están influenciados por el cine actual: el cine contemporáneo. Han pasado casi 70 años desde que esta película vio la luz, y me remito a la frase que decía Dianne en Trainspotting acerca del cambio generacional: El mundo está cambiando, la música está cambiando, las drogas están cambiando, los hombres y las mujeres están cambiando...

Esta obra de Arte fue hecha por Orson Welles en 1941. Este director también ha creado otras tantas películas muy importantes en la historia del cine como: El cuarto mandamiento 1942, Sed de mal 1958, o Campanadas a medianoche 1962. Además triunfó en el teatro y en la radio de la época. Orson Welles en Ciudadano Kane, hace un análisis introspectivo del protagonista, Charles Foster Kane, y una reflexión sobre la soledad y el verdadero valor de lo que tenemos a nuestro alrededor.

Las escenas producían poca profundidad de campo ya que se rodaban con diafragmas muy abiertos, por lo que usaba mucho los primeros términos y el fondo lo dejaba a un lado. Toland trabajaba con esquemas de iluminación donde la sombra era una herramienta más importante para crear profundidad de campo y la utilizaba para poder separar el primer plano del fondo y generar un espacio que esté todo a foco. Además, lo que hizo para lograr mayor profundidad de campo fue incrementar la cantidad de luz para trabajar con diafragmas f.8 y f.16 en lugar de los habituales f.2,3 y f.3,5; ópticas más luminosas, y la película de mayor sensibilidad que había en el mercado.

Los movimientos de la cámara abundan en esta película, además de utilizar contrapicados y picados agrandando o empequeñeciendo a los personajes. También realiza planos desde abajo para que se vean bien los pisos en el decorado y los techos.

El uso del flashback hace que la historia de la película nos cuente el significado de la trama en un periodo de tiempo corto, aunque la duración en la pantalla sea de unos 120 minutos.

Gregg Tolande estaba al cargo de la dirección de fotografía. La iluminación es selectiva y de tono bajo. Vio adecuado hacer planos de nieve cubriendo la imagen ya que insinuaban una visión subjetiva. Predominan los techos bajos, blancos, uniformes y brillantemente iluminados. Aunque, por el contrario, en otra de sus localizaciones como es Xanadu, tiene mucho espacio y está escasamente amueblado. Los techos son demasiado altos como para que se vean en la mayoría de los planos, y los pocos muebles están muy dispersos.

La iluminación de esta película es especial  ya que no usa el método tradicional de iluminación porque se basa en el cine expresionista alemán. Hace un juego de luces y sombras que ayudan a dar mayor dramatismo y valor psicológico a cada una de las escenas. Predominan dos estilos de luces: una de ellas es contrastada y suave ya que la relaciona con la juventud y la llegada al poder de Kane, y por otra parte una luz bastante más contrastada y con fuertes penumbras dando lugar a la decadencia del personaje. Welles y Toland han compartido esta función ya que ambos han aportado soluciones importantes a la hora de iluminar desde el punto de vida estético y técnico de cada uno.

Para finalizar, una de las tantas cosas que tiene esta película es la forma en que el argumento manipula el tiempo de la historia. El cambio de la narración presente de un narrador a un hecho pasado se ve reforzado a menudo por un corte “brusco”, creando estas transiciones sorpresa y separan claramente una parte del argumento de otra. La música está presente en varias secuencias, teniendo mucha importancia reforzando el desarrollo de la secuencia. 

IRENE LOPEZ KNELER