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jueves, 20 de marzo de 2014

Para decir ''con Dios'', NOS SOBRAN LOS MOTIVOS.

Este adiós, no maquilla un "hasta luego",

este nunca, no esconde un "ojalá",

estas cenizas, no juegan con fuego,
este ciego, no mira para atrás.

Este notario firma lo que escribo,
esta letra no la protestaré,
ahórrate el acuse de recibo,
estas vísperas, son las de después.

A este ruido, tan huérfano de padre
no voy a permitirle que taladre
un corazón, podrido de latir.
Este pez ya no muere por tu boca
este loco se va con otra loca
estos ojos no lloran más por ti.


Con esta emotiva prosa comienza otra de los temas que le dedicó a Paula, su novia argentina. Además en esta versión en vivo, Joaquín recita este desgarrador poema. Escrito desde las entrañas, escrito con sangre más que con tinta. 


''Nos sobran los motivos'' perteneciente al disco con ese mismo nombre, se publicaba en el año 2000 y vendía más 300.000 ejemplares. Este doble CD recopila canciones grabadas en distintos conciertos.

Además, en él se recogen canciones de otros discos anteriores, por ello os los voy a enumerar, y os pondré al lado alguna canción que salga en éste, para situarnos un poco: 

-Juez y parte (1985)--> Princesa
-En directo (1986)--> Calle melancolía
-Hotel, dulce hotel (1987)--> Que se llama soledad/ Así estoy yo sin ti
-El hombre del traje gris (1988)--> ¿Quién me ha robado el mes de abril?
-Mentiras piadosas (1990)--> Medias negras
-Física y química (1992)--> Y nos dieron las diez/ La del pirato cojo
-Esta boca es mía (1994)--> Ruido
-Yo, mí, me, contigo (1996)--> Y sin embargo
-Enemigos íntimos (1998)--> Yo me bajo en Atocha
-19 días y 500 noches (1999)--> 19 días y 500 noches/ Noches de boda

Esta canción, en concreto, es una canción bastante pegadiza desde mi puntos de vista, ya que cuenta con varias anáforas y usa el adjetivo demostrativo (este/esta) como conductor. 

En la canción se enumeran cosas que dejan de funcionar o que indican el final de una relación, una sala de espera sin esperanza o bien un sueño que sueña que se despierta, para acabar diciendo que: «para decir adiós a los dos nos sobran los motivos», dando así por zanjado el asunto y terminada la canción.


Esta canción es, sin dudas, la manera más dulce y encantadora de ponerle un punto final a una relación que necesitamos dejar atrás. Un adiós dicho con la más pura poesía a la que Joaquín nos tiene acostumbrados. Un caballero que renuncia a una dama, a la que se niega a seguir amando. Sin odios, sin rencores, destila solamente amor y melancolía. Cada frase es un reflejo de la tremenda desolación en la que nos sumergimos cuando debemos concluir algo, más por obligación que por deseo. Para protegernos. Para salvarnos. Para colgarnos en el corazón el cartel de “Cerrado por derribo”... hasta la próxima vez que volvamos a enamorarnos como idiotas.

Después de escuchar las palabras de esta canción creo que pocos podemos aportar algo, así que os dejo con sus letras, para que disfrutéis al máximo de esta inigualable canción.

Esta sala de espera sin esperanza,
estas pilas de un timbre que se secó,
este helado de fresa de la venganza,
esta empresa de mudanzas,
con los muebles del amor.

Esta campana muda en el campanario,
esta mitad partida por la mitad,
estos besos de Judas, este calvario,
este look de presidiario,
esta cura de humildad.

Este cambio de acera de tus caderas,
estas ganas de nada, menos de ti,
este arrabal sin grillos en primavera,
ni espaldas con cremallera,
ni anillos de presumir.

Esta casita de muñecas de alcana,
este racimo de pétalos de sal,
este huracán sin ojo que lo gobierne,
este jueves, este viernes,
y el miércoles que vendrá.

No abuses de mi inspiración,
no acuses a mi corazón
tan maltrecho y ajado
que está cerrado por derribo.
Por las arrugas de mi voz
se filtra la desolación
de saber que estos son
los últimos versos que te escribo,
para decir "con Dios" a los dos
nos sobran los motivos.

Este museo de arcángeles disecados,
este perro andaluz sin domesticar,
este trono de príncipe destronado,
esta espina de pescado,
esta ruina de Don Juan.

Esta lágrima de hombre de las cavernas,
esta horma del zapato de barbazul,
que poco rato dura la vida eterna,
por el túnel de tus piernas,
entre Córdoba y Maipú.

Esta guitarra cínica y dolorida,
con su terco knock knockin' on heaven's door,
estos labios que saben a despedida,
a vinagre en las heridas
a pañuelo de estación.

Este Land Rover aparcado en tu puerta,
la rueca de Penélope en el Luna Park,
estos dedos que sueñan que te desnudan,
esta caracola viuda
sin la pianola del mar.
Creo que todos los que nos vimos obligados (porque nos sobran los motivos) a terminar una historia, podríamos elegir este modo elegante y romántico de decir adiós. Así  que, de la misma manera, con esta elegante y romántica canción, me despido yo también y agradezco a todos los que nos habéis ido leyendo a lo largo de estos últimos meses.


Cuando el amor se acaba, y nos sobran lo motivos, lo mejor es ser coherentes con uno mismo y dejar marchar… 

MARINA ELIZALDE

LOS LUNES AL SOL

“Érase una vez, un país en el que vivían una Cigarra y una Hormiga. La hormiga era hacendosa y trabajadora, y la cigarra, no, le gustaba cantar y dormir, mientras la hormiga hacía sus labores. Pasó el tiempo, y la hormiga trabajó y trabajó todo el verano, ahorró cuanto pudo, y en invierno, la cigarra se moría de frío, mientras la hormiga, tenia de todo. La Cigarra llamó a la puerta de la Hormiga, que le dijo: Cigarrita,cigarrita, si hubieras trabajado como yo, ahora no pasarías hambre ni frío.Y no le abrió la puerta. ¿Quien ha escrito esto? Esto no es así, la hormiga ésta es una hija de la gran puta y una especuladora. Y además, aquí no dice porque unos nacen cigarras y otros hormigas, y tampoco, que si naces cigarra estás jodido.”


Ésta es una gran frase con la que nos sorprende esta película de Fernando León de Araona,  protagonizada por Luis Tosar, Javier Bardem y José Ángel Egido, y coprotagonizada por Joaquín Climent y Nieve de Medina.

En ciudad costera de Vigo, a la que el desarrollo industrial ha hecho crecer desaforadamente, un grupo de hombres recorren cada día sus empinadas calles, buscando salidas de emergencia. Son funambulistas de fin de mes, sin red y sin público, sin aplausos al final; viven en la cuerda floja del trabajo precario y sobreviven gracias a sus pequeñas alegrías y rutinas.

''Los lunes al Sol'' es una coproducción entre España, Italia, y Francia del año 2002. Este drama social de 113 minutos, contó con 5 Goyas en la gala del 2003:

Mejor películaGanadora
Mejor directorFernando León de AranoaGanador
Mejor actorJavier BardemGanador
Mejor actor de repartoLuis TosarGanador
Mejor actriz revelaciónNieve de MedinaCandidata
Mejor actor revelaciónJosé Ángel EgidoGanador
Mejor guion originalFernando León de Aranoa
Ignacio del Moral
Candidatos
Mejor montajeNacho Ruiz CapillasCandidato



Y para terminar, os dejo con este artículo que escribió Fernando León de Aranoa para el Huffingtonpost. Lo que más me ha llamado la atención ha sido este párrafo, al que se refiere cuando le preguntan "¿cómo harías hoy esa película?":

''La respuesta a menudo decepciona a quien la escucha: la haría igual. Porque lo que contamos entonces acerca del desempleo es lo que querríamos contar hoy. Porque aunque las cifras sean otras, la desesperación y el desamparo de quien lo padece no han cambiado. Porque esa nunca fue una película coyuntural, ligada a una cifra, a un Gobierno, a una política concreta de empleo, o de desempleo. No creo que las películas puedan ser coyunturales: lleva mucho tiempo hacerlas, y la realidad no te espera. El cine no sirve para atrapar el presente. Como mecanismo de representación, camina unos metros por detrás de la realidad que persigue. Es un espejo con ligero retardo, que refleja lo que fuimos hace un instante, pero busca en esa imagen lo esencial, la raíz de lo que seremos un día.''

jueves, 20 de febrero de 2014

Ir por la vida AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS


"UN CLÁSICO, NI MÁS NI MENOS."

"OBRA MAESTRA DE LOS ENREDOS"



Así rezan las críticas de esta entretenida y alocada película. Película de enredos y geniales escenas surrealistas. Película para los que no admiran al típico Almodóvar.


Ho he elegido esta canción, aparte de por la relación con la entrada anterior y la canción ''Yo quiero ser una chica Almodóvar'', porque es uno de los grandes referentes del cine español.

Mujeres al borde de un ataque de nervios es una película dirigida por Pedro Almodóvar en el año 1988. En ese mismo año ganó el Goya a la mejor película (entre otros) y estuvo también nominada a los Óscar. Además fue la segunda película más vista durante ese año en España y se convirtió, por lo tanto, en una de las películas más taquilleras de esos años.

En nuestros cines fue vista nada menos que por 3.3 millones de espectadores. Un mérito añadido si tenemos en cuenta que por entonces la exhibición cinematográfica vivía tiempos de crisis con el alquiler y compra de cintas de video domésticas VHS en todo su apogeo.
Con grandes actores como Carmen Maura, Antonio Banderas, Julieta Serrano o la inconfundible Rossy de Palma, esta película cuenta una historia llena de enredos donde los personajes femeninos llevan las riendas. La fuerza de sus personajes es vital para la movilidad de sus guiones compuestos de diálogos inteligentemente estudiados. Carmen Maura (Pepa) se convierte en el hilo conductor de esta historia que enfrenta a tres mujeres luchando por el amor de un hombre (Iván). A medida que trascurre la historia las cosas se van complicando y el desenlace no logra vislumbrarse en el horizonte cercano pero como siempre sucede Almodóvar encuentra una vuelta para soltar el nudo.




PREMIOS:


1988: 5 premios Goya, entre ellos Mejor Película y Mejor Actriz (Carmen Maura). Tuvo 16 nominaciones a los Goya.
1988: nominación a los Óscar por Mejor Película dd habla no inglesa.
1988: Nominación a los Globos de Oro por Mejor Película de habla no inglesa.
1988: Festival de Venecia. Mejor Guión.
1988: Festival de Toronto. Mejor Película (Premio del Público)
1988: Premios David di Donatello: mejor guión extranjero.
1988: Círculos de críticos de Nueva York: mejor película extranjera.


En resumidas cuentas, para Almodóvar este fue el filme que catapultó su nombre de manera definitiva a nivel internacional al recibir nominaciones como Mejor Película Extranjera en los Globo de Oro, el BAFTA y el Oscar, sumando también más de 20 premios en otros festivales. Con esta película el director Ibérico logra definir el estilo que lo caracterizaría en todos sus trabajos, el ya clásico melodrama con toques de humor negro bañados por una dosis de exageración de sus personajes se pone de manifiesto en su mejor forma. Con “Mujeres al borde de un ataque de nervios” podemos ver a un director puliendo su obra, un director refinando su estilo y encontrando su norte.


Excelente fotografía acompañada de una apropiada selección musical (por ejemplo, Soy infeliz, cantada por Lola Beltrán, mientras desfilan los títulos de crédito) para resaltar una historia y unos personajes dibujados a la perfección. Además cuenta con un montaje de imágenes propias de un catálogo de modas o una fotonovela de colores intensos, con predominio del rojo, y los rótulos de distintos tamaños simulando recortes de una revista. Una obra imprescindible de la filmografía de este director español.


MARINA ELIZALDE GUERRERO.

lunes, 20 de enero de 2014

VIRIDIANA, con ella cada noche es Nochebuena.

VIRIDIANA, título de una de las famosas películas de Luis Buñuel, y de una canción cantada a duo entre el Maestro Sabina y Andrés Calamaro.




Por eso hoy quiero escribir esta entrada, con este título, en honor a la película, y por supuesto, a la canción.



Pero, pongamos un poco de orden y empecemos por el principio.



VIRIDIANA, la película. Dirigida en el año 1961 por Luis Buñuel, está basada en la novela Halma, de Benito Pérez Galdós y recibió el máximo galardón del Festival de Cannes, la Palma de Oro.



Una joven monja llamada Viridiana (Silvia Pinal) abandona el convento para realizar una visita a su tío viudo Don Jaime (Fernando Rey), quien termina siendo atraído por sus encantos femeninos intentando mantener relaciones sexuales con la joven. Al no conseguir su propósito, Don Jaime se suicida, hecho que provoca un sentimiento de culpa en Viridiana, que abandona su ordenación religiosa para dedicar su tiempo a la caridad cristiana en un hogar que tendrá que compartir con su primo Jorge (Francisco Rabal), hijo natural de Don Jaime.




“Viridiana es la película que continúa más estrechamente mi trayectoria de cineasta desde que rodé ''La edad de oro''. De toda mi obra, estas dos películas son las que he dirigido con mayor libertad”. Estas palabras de Luis Buñuel ponen de manifiesto que Viridiana es una obra de y por la libertad. Alrededor de los años 70, estalló en la España franquista, convirtiéndose en un gran escándalo y se prohibieron las películas de este cineasta, ya que ésta en concreto se consideró blasfema y obscena por el Vaticano y la propia administración franquista. Los cuales, fueron incapaces de soportar el mordaz envite contra el catolicismo más encorsetado y la visión satírica y alegórica de parte de la realidad española, en especial la burguesa.



Fue justo entonces, en el auge de la España Franquista, cuando Joaquín creó un Cineclub en su exilio en Londres, y empezó a exhibir las películas de Buñuel.



La historia, con rasgos de humor negro y una imaginación llena de simbolismos, ofrece en su burlesca mezcla de sensaciones una absorbente atmósfera de anormalidad y una estética fascinantemente morbosa.



Y ahora, VIRIDIANA, la canción:

En el año 1996, y con nombre de título de película de Buñuel, como no podría ser de otra manera, se publica la canción Viridiana. Ésta es una canción de esas que podrían ser un guión cinematográfico. La acción comienza en Tijuana donde "tres veces por semana se trabajaba en México la nuit". Un lugar donde comienza una peculiar historia de amor con una tal Viridiana de apellido "veinticinco mil".

Perteneciente al álbum ''Yo, mi, me, conmigo'', esta canción está escrita por Joaquín Sabina y la música fue compuesta por Ariel Rot. Y además, la canción contó con la colaboración de Andrés Calamaro en varías de sus estrofas.


En Tijuana, tres noches por semana,

se trabajaba en México la nuit.
"¿Qui'hubo, señor?. Me llamo Viridiana
y me apellido veinticinco mil". 

Yo no buscaba amores mercenarios 
y ella no era la venus de Buñuel, 
pero el tequila de los solitarios 
sabe mejor contigo, mademoiselle. 

Y dos rondas más tarde la besaba 
y tres besos después me convenció, 
y en un meublé por horas que alquilaba 
ahorita les diré lo que pasó.

Tantas cosas me dió que no me daban, 
tantas caricias casi de verdad, 
que a mí se me olvidó que trabajaba 
y ella no se acordó de trabajar. 

Por eso, sin faltar una semana, 
cuando me ven entrar al cabaré 
los mariachis, mirando a Viridiana, 
le cantan "Y volver, volver, volver". 

Y, aunque en mi cumpleaños dé una cena 
y no vengan mis hijos a cenar, 
con ella cada noche es Nochebuena 
y nunca se termina el carnaval. 

Porque no hay bajo la luna mexicana 
mejor menú para un perro andaluz 
ni manos que hagan como Viridiana 
la tarta de manzana de amour fou. 

Con el corrido de la bella Malinche 
y el pinche gachupín 
que viva México la nuit! Que sí 
(Mais oui) Viridiana.



MARINA ELIZALDE GUERRERO

viernes, 20 de diciembre de 2013

Annie Hall & Sabina

Ahora, os quiero hablar de Annie Hall (Woody Allen, 1977), una de las películas favoritas del Maestro (y también de una de las mías, todo hay que decirlo…) Y es que esta película está considerada como una de las mejores de Woody Allen. 





Annie Hall, realizada por Woody Allen, se basa en una historiade amor, una historia prácticamente autobiográfica que cuenta la dificultosa relación que mantuvo con una chica llamada así. Es una película que fue escrita por Woody Allen y Marshall Brickman. Rodada en exteriores de Nueva York y en plató, fue nominada a 5 Oscar, de los cuales ganó 4:


-Mejor Película
-Mejor Director
-Mejor Guión Original
-Mejor Actriz


Retomando su tema habitual, Woody vuelve a explorar el complejo y errático universo de las relaciones sentimentales. En ese tono que tiene bastante de autobiográfico y de autoanálisis, narra en primera persona, y habiendo entrado en las puertas de la madurez, sus experiencias amorosas pasadas. Venerando los momentos bellos, los comienzos abiertos a tantas posibilidades, rememorando las particularidades de las mujeres a las que ha amado, la química y diversas anécdotas de sus vidas compartidas, y tratando de sacar en claro en qué momento las cosas se torcieron sin solución y por qué lo hicieron. Carcajadas constantes para hablarnos de las inseguridades del ser humano, envuelto en una historia de amor tan bonita como real.


''El sexo es lo más divertido que he hecho sin sonreír ''


Y es que nadie le ha marcado tanto como Annie Hall. Divertida, original, con un estilo personal desenfadado y adorable, un poco alocada y mirando adelante con su actitud positiva. Alvy Singer, un hombre, quejumbroso, negativo, amante fiel de su Nueva York natal, y dotado de su más sobresaliente cualidad que es la de destriparse a sí mismo y a la vida con su penetrante sentido del humor, cayó atrapado en el hechizo de Annie y ya no podrá liberarse.



En sólo noventa minutos, el mejor Woody ofrece una de las miradas más socarronas y tiernas y uno de los más hermosos tributos a una de las cosas que mueven el mundo: el amor.


Aunque sea fugaz. Aunque sea irritante. Aunque nos lleve de cabeza.

En definitiva, una comedia romántica y dramática que pasará a la historia tanto por su estructura y recursos narrativos y de dirección como por el maravilloso guión y las interpretaciones de los dos protagonistas.

Por último, acabo mí análisis citando una de las últimas frases de la película, que creo condensan a la perfección todo lo expuesto anteriormente: 

"Bueno, supongo que eso es lo que pienso sobre las relaciones, son completamente irracionales, locas y absurdas, pero supongo que insistimos con ellas... porque la mayoría necesitamos los huevos"
MARINA ELIZALDE GUERRERO

Citizen Kane & Sabina.



La crítica norteamericana y la del resto del mundo, ha considerado a Ciudadano Kane la mejor película de la historia del cine. Muchos desmienten esto y aseguran que no es así ya que están influenciados por el cine actual: el cine contemporáneo. Han pasado casi 70 años desde que esta película vio la luz, y me remito a la frase que decía Dianne en Trainspotting acerca del cambio generacional: El mundo está cambiando, la música está cambiando, las drogas están cambiando, los hombres y las mujeres están cambiando...

Esta obra de Arte fue hecha por Orson Welles en 1941. Este director también ha creado otras tantas películas muy importantes en la historia del cine como: El cuarto mandamiento 1942, Sed de mal 1958, o Campanadas a medianoche 1962. Además triunfó en el teatro y en la radio de la época. Orson Welles en Ciudadano Kane, hace un análisis introspectivo del protagonista, Charles Foster Kane, y una reflexión sobre la soledad y el verdadero valor de lo que tenemos a nuestro alrededor.


Las escenas producían poca profundidad de campo ya que se rodaban con diafragmas muy abiertos, por lo que usaba mucho los primeros términos y el fondo lo dejaba a un lado. Toland trabajaba con esquemas de iluminación donde la sombra era una herramienta más importante para crear profundidad de campo y la utilizaba para poder separar el primer plano del fondo y generar un espacio que esté todo a foco. Además, lo que hizo para lograr mayor profundidad de campo fue incrementar la cantidad de luz para trabajar con diafragmas f.8 y f.16 en lugar de los habituales f.2,3 y f.3,5; ópticas más luminosas, y la película de mayor sensibilidad que había en el mercado.

Los movimientos de la cámara abundan en esta película, además de utilizar contrapicados y picados agrandando o empequeñeciendo a los personajes. También realiza planos desde abajo para que se vean bien los pisos en el decorado y los techos.
El uso del flashback hace que la historia de la película nos cuente el significado de la trama en un periodo de tiempo corto, aunque la duración en la pantalla sea de unos 120 minutos.

Gregg Tolande estaba al cargo de la dirección de fotografía. La iluminación es selectiva y de tono bajo. Vio adecuado hacer planos de nieve cubriendo la imagen ya que insinuaban una visión subjetiva. Predominan los techos bajos, blancos, uniformes y brillantemente iluminados. Aunque, por el contrario, en otra de sus localizaciones como es Xanadu, tiene mucho espacio y está escasamente amueblado. Los techos son demasiado altos como para que se vean en la mayoría de los planos, y los pocos muebles están muy dispersos.

La iluminación de esta película es especial  ya que no usa el método tradicional de iluminación porque se basa en el cine expresionista alemán. Hace un juego de luces y sombras que ayudan a dar mayor dramatismo y valor psicológico a cada una de las escenas. Predominan dos estilos de luces: una de ellas es contrastada y suave ya que la relaciona con la juventud y la llegada al poder de Kane, y por otra parte una luz bastante más contrastada y con fuertes penumbras dando lugar a la decadencia del personaje. Welles y Toland han compartido esta función ya que ambos han aportado soluciones importantes a la hora de iluminar desde el punto de vida estético y técnico de cada uno.

Para finalizar, una de las tantas cosas que tiene esta película es la forma en que el argumento manipula el tiempo de la historia. El cambio de la narración presente de un narrador a un hecho pasado se ve reforzado a menudo por un corte “brusco”, creando estas transiciones sorpresa y separan claramente una parte del argumento de otra. La música está presente en varias secuencias, teniendo mucha importancia reforzando el desarrollo de la secuencia. 






IRENE LOPEZ KNELER